viernes, 2 de mayo de 2014

TRABAJADORES CESANTEADOS DEL TEATRO COLÓN DE BUENOS AIRES

El diputado del Frente de Izquierda, Marcelo Ramal, junto a los trabajadores del Teatro Colón
“Concierto de lucha” en la Legislatura por la reincorporación del delegado Pastor Mora
Con el auspicio de la banca del Frente de izquierda, la Junta Interna de ATE -Teatro Colón realizó un acto en la Legislatura porteña exigiendo la reincorporación inmediata del músico y delegado Pastor Mora, a quien el gobierno macrista no le permite ingresar a su puesto de trabajo desde fines de 2013. Pastor Mora es delegado de los trabajadores del Colón, que desde 2010 vienen desarrollando una enorme lucha contra la privatización del teatro por el salario y las condiciones de trabajo.
En el acto, los delegados del teatro celebraron el fallo dado a conocer el lunes por la Sala VII de la Cámara Nacional del Trabajo, que declara la legalidad de la asamblea general y la huelga realizada en el año 2010. Este fallo desnuda hasta qué punto llega la persecución gremial por parte del Ejecutivo de la Ciudad, que pretendía la ilegitimidad del acto más trascendente y soberano de un colectivo de trabajadores, la asamblea general. La decisión de la Justicia, luego de una larga lucha, deja planteada la inmediata reincorporación del compañero a su lugar de trabajo.
En la apertura del acto el legislador por el Frente de Izquierda, Marcelo Ramal, destacó la importancia del fallo . ” Este acto será la celebración de una batalla ganada en defensa del derecho a luchar, en un momento en que ese mismo derecho está siendo cuestionado, y no sólo por Macri”
El acto comenzó con excepcionales interpretaciones musicales de trabajadores de la Orquesta Filarmónica, la Estable y el Coro, que mostraron el apoyo existente en el interior del teatro a la lucha por terminar con la persecución gremial.
Al finalizar, se realizó una conferencia de prensa en la que hicieron uso de la palabra Pastor Mora, Marcelo Ramal, los delegados José Piazza, Máximo Parpagnoli y el secretario general de ATE-Capital. En la conferencia Ramal sostuvo que “estamos luchando contra un atropello laboral, pero no sólo por eso. Luchamos para que la cultura sea un patrimonio social, contra una política que procura el vaciamiento del Teatro Colón y convertirlo en una mera sala de alquiler”.

jueves, 1 de mayo de 2014

LOS ENREDOS DE UN PELUQUERO

Página/12 :: Martes, 29 de abril de 2014
MUSICA › HOY VUELVE AL TEATRO COLON EL BARBERO DE SEVILLA
Los enredos de un peluqueroAlgunas de las arias más famosas del repertorio, pasajes de conjunto escritos con su habitual maestría y una obertura más que célebre son algunos de los atractivos de esta ópera cómica que consolidó el estilo de Giacchino Rossini.
Por Diego Fischerman
Un noble que quiere ser amado por quien es y no por lo que tiene –y por sus derechos de cuna–. El tópico, uno de los más utilizados en la comedia de enredos, jamás podría imaginarse sin los cambios sociales que cristalizaron en la época de la Revolución Francesa. Ni, tampoco, aquel que el conde necesita como puerta de entrada y traductor en ese nuevo mundo burgués que desconoce. Alguien que se define como “el factótum de la ciudad”: un peluquero. A partir de estos personajes, Pierre-Augustin Caron de Beaumarchais escribió la primera de sus tres piezas de tema español: El barbero de Sevilla. Y con esa obra como punto de partida, Cesare Sterbini entregó a Giacchino Rossini el libreto para que escribiera una de las óperas destinadas al carnaval romano de 1816.

Ya Giovanni Paisiello –mucho más famoso que Rossini por ese entonces– había escrito una ópera con ese mismo título. Y Mozart había partido de otra de las piezas de la trilogía, Las bodas de Figaro, para su ópera de 1786. Con el título de Almaviva o la precaución inútil, la nueva obra de Rossini se estrenó en el Teatro Argentina de Roma, el 20 de febrero de 1816. Fue un fracaso estrepitoso. El público silbó y abucheó y pocas veces hubo tantos accidentes en escena. Uno de los cantantes se había caído mientras actuaba, a uno de los músicos se le había roto una cuerda, de manera más que sonora y, para peor, un gato había aparecido de un salto en medio del escenario. “Tuve que huir; creía que me iban a asesinar”, dijo, más tarde, el compositor.
Nada había sido del todo inocente, no obstante, y en los accidentes se olió la mano de Paisiello –que se consideró ofendido por el hecho de que se estrenara una segunda ópera exactamente con el mismo libreto que una de las suyas– y de sus partidarios. Nadie, en todo caso, habría podido aventurar que la obra se convertiría, a lo largo de casi dos siglos, en una de las más exitosas de todo el género. Hasta llegó, menos de una década después, a Buenos Aires, en manos de una compañía de cantantes que fue contratada directamente, en 1825, por el entonces presidente, Bernardino Rivadavia. El barbero de Sevilla fue parte, en 1908, de la primera temporada del Teatro Colón, con un elenco que incluía a Fiódor Chaliapin y a Titta Ruffo. Y hoy a las 20.30 volverá a escena en ese teatro, con un buen elenco y la dirección escénica del coreógrafo Mauricio Wainrot. Director del Ballet de Danza Contemporánea del Teatro San Martín desde hace quince años y debutante absoluto en el campo de la dirección de escena, su acercamiento al Colón fue a partir de la versión de Carmen que realizó en 2012 para la compañía de danza de ese teatro. Fue en ese momento que, en sus palabras, aprovechó para decirle al director del Colón que lo “tuviera en cuenta para una ópera”.
Algunas de las arias más famosas del repertorio, pasajes de conjunto escritos con su habitual maestría y una obertura más que célebre (que en realidad pertenecía a otra ópera, porque la original se perdió) son algunos de los atractivos de esta ópera cómica que consolida el personal estilo de Rossini. Nada hay allí de lo que la historiografía romántica incluye en el catálogo del “Gran Arte” y es comprensible la tirria que sentía ante ella un compositor como Héctor Berlioz, empeñado en oponerse a la ópera entendida como “show de voces”. “Mi sueño es ver incendiado un teatro rossiniano, en lo posible con Rossini y los rossinianos dentro”, escribió el francés en sus Memorias. Con menos extremismo, cabe solazarse con el virtuosismo vocal que demanda, con el exquisito contrapunto de sus concertantes y con el ritmo teatral que Rossini sabía imprimir a sus obras.
Con dirección musical de Miguel Angel Gómez Martínez y diseño de escenografía y vestuario de Graciela Galán, El barbero de Sevilla subirá a escena, además de esta noche, mañana y el sábado 3, en el mismo horario, el domingo 4 a las 17 y el martes 6 nuevamente a las 20.30. Con la participación de la Orquesta Estable del Teatro Colón y de su Coro Estable –que conduce Miguel Martínez–, el elenco incluirá al barítono Mario Cassi –quien había cantado el personaje de Figaro en I due Figaro, de Saverio Mercadante, que el Colón presentó en 2012–, el bajo Carlo Lepore en el papel de Don Bartolo, la mezzosoprano Marina Comparatto como Rosina y, en el papel del Conde de Almaviva, el excelente tenor argentino radicado en Europa Francisco Gatell, que en 2004 ganó el premio Caruso y en 2006 el de la Associazione Lirica Concertistica Italiana. También integran el reparto Fernando Grassi, Marco Spotti, Patricia González, Daniel Wendler y Cristian De Marco y, en la función del sábado, participará un segundo elenco integrado por Omar Carrión, Luis Gaeta, Eliana Bayón, Iván Maier, Sebastián Sorarrain, Lucas Debevec Mayer y María Luján Mirabelli.

viernes, 31 de enero de 2014

MADAMA BUTTERFLY, PUCCINI AL ROJO VIVO

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Clásica

Madama Butterfly, Puccini al rojo vivo


A Puccini, ya se sabe, lo atraían irresistiblemente las mujeres. Y a fuerza de adorarlas, pudo crear seductoras figuras femeninas, a las que dotó de una ternura y una pasión auténticamente humanas. En apariencia todas las mujeres de sus óperas son distintas, porque cada una vive en un mundo propio, con un ambiente cultural y social tan diverso como el que propone la Roma de Tosca, el Japón de Butterfly, la China de Turandot, el París de Musetta y de Mimí, o la California de Minnie.
Sin embargo, la heroína de Puccini, despojada de sus trajes y de la ilusión de la escena, observada en su esencia y en su psicología, es el ser humano común, el de todos los días, el que se encuentra en mayoría en todos los públicos. Aquel en el que los vicios y virtudes se equilibran de manera más o menos estable. Muchas veces se ha señalado que lo que hace diferentes a los personajes puccinianos es ante todo la atmósfera en la cual sufren, aman o mueren. De ahí la preocupación del músico por ser fiel en la presentación de ambientes. Una vez logrados, le es suficiente introducir sus personajes habituales, que adquieren entonces su propia individualidad. Esta poética pucciniana, genialmente desplegada, lo lleva a variar de un título a otro ese ámbito, a cambiar de país, buscando a menudo aquellos lejanos y exóticos, y le exige estudiar a fondo las costumbres, la psicología de sus habitantes, el color local.
Cio Cio San ( Madama Butterfly ), a quien tendremos en esta temporada 2014 del Teatro Colón, es otro hallazgo psicológico de Puccini. Al comienzo de la obra es apenas una mujer niña. Tiene 15 años y obra como tal. Es imprudente, precipitada, inmadura. Preparada desde su infancia de huérfana para una vida de geisha, que no desea, se lanza en los brazos del primer cínico y fanfarrón americano que la seduce. Infiel a su familia, a su país, a su religión, Butterfly crece bruscamente y su suicidio es la sanción que ella misma se inflige, y el reencuentro, mediante el rito de su autoaniquilación, con sus milenarios ancestros culturales. A su lado está Suzuki, que es leal y realista. En ella todo es armonía y equilibrio. Dos bellos caracteres femeninos que Puccini opone a la vacuidad de ese marino norteamericano al que diseña con una precisión que marca a fuego la distancia emocional de la protagonista.
Es bien sabido que la presentación de Madama Butterfy en la Scala de Milán el 17 de febrero de 1904 fue desastrosa. Los titulares de la prensa no podían ser más desdeñosos para el autor, desde "Fiasco en la Scala", a "Butterfly, ópera diabética, resultado de un accidente", entre otros bastante negros. Sin embargo, Puccini desafió con el siguiente texto: "Mi Butterfly queda como ella es: la ópera más sentida y la más expresiva que yo haya concebido jamás. Al final el triunfo será mío". Y fue así, ¡quién lo duda!, aunque después de algunas modificaciones, como llevar los dos actos a tres, el agregado de un aria de Pinckerton, hechos que hicieron posible que poco tiempo después, el 28 de mayo, en Brescia, lograra un triunfo que nunca más fue desmentido. Puccini todavía aportó algunos retoques para la representación en el Covent Garden de Londres el 10 de julio de 1905, y posteriormente en la Opéra-Comique de París, el 28 de diciembre de 1906.
Sin duda, la esperamos con entusiasmo en esta temporada porteña

jueves, 30 de enero de 2014

DONIZETTI Y ROBERTO DEVEREUX



Luego del estreno en Venecia de “Pia de Tolomei”, el 18 de febrero de 1837, Gaetano Donizetti vuelve a Nápoles, en cuyo Conservatorio dictaba clases. De regreso al trabajo de composición propiamente dicho, el artista se dedicó a la realización de obras menores, en su mayoría piezas orquestales y corales, que le habían sido demandadas en conmemoración de muertes y aniversarios de músicos y personalidades destacadas.
La época de “Pia de Tolomei” fue, tal vez, la más aguda que le tocó vivir al compositor bergamasco, pues a la pérdida de sus padres, se sumó la muerte de su esposa Virginia. También, en un corto lapso, ella había dado a luz a dos niños que fallecieron en el parto. En medio de tanta desgracia,  corroído por una feroz depresión y muy debilitado físicamente, Donizetti retomó la composición de óperas a modo de consuelo.
Su nuevo encargo fue una ópera para ser representada en el Teatro San Carlos de Nápoles. El tema elegido abrevó en la historia de Inglaterra y fue el relativo a la relación amorosa  que existió entre la Reina Isabel Primera, ya de 65 años, y el Conde de Essex, Roberto Devereux, 30 años menor que ella.
Bette Davis and Errol Flynn in The Private Lives of Elizabeth and Essex.
El libreto fue desarrollado por el fiel Salvatore Cammarano. Basado en la obra teatral “Isabel de Inglaterra” de François Ancelot, presentada en París en 1834, y en la novela “Historia secreta de los amores de Isabel y el Conde de Essex” de Jacques Lescene des Maisons, de 1787, Cammarano también se valió del libreto que Felice Romani había escrito para la ópera “El Conde de Essex” de Saverio Mercadante, estrenada en Milán en 1833, sin ningún éxito.
Roberto Devereux ossia Il conte di Essex, junto a Anna Bolena y María Stuardo, es la tercera ópera en la cual  Donizetti aborda un tema de amores e intrigas de la realeza británica de los Tudor. Curiosamente, también, estas tres óperas irían avanzando cronológicamente en tiempo y personajes
Se trata de una de las obras cumbres de Donizetti. Compuesta en plena madurez, el bel canto encuentra aquí su máxima expresión y su argumento se centra en las desventuras de una reina enamorada y el segundo conde de Essex, en la que se mezclan amores no correspondidos.
Los celos y las envidias palaciegas son el caldo de cultivo de una ópera vocalmente exigente que muestra las virtudes del canto y las irresistibles melodías de Gaetano Donizetti.
Roberto Devereux fue estrenada el 29 de octubre de 1837 en el Teatro San Carlos, Nápoles.
En unos pocos años, el éxito de la ópera había hecho que se representase en la mayor parte de las ciudades europeas incluyendo París el 27 de diciembre de 1838. En España, se estrenó en el Teatro de la Santa Cruz de Barcelona, en 1838.
En Buenos Aires la obra se estrenó en 1854.
Con un argumento similar, en 1939, Hollywood llevó al celuloide "The Private Lives of Elizabeth and Essex", junto a Bette Davis y Errol Flynn. Una foto de dicho film se acompaña en esta entrada. 
Acompaño esta entrada con una grabación de la ópera de Donizetti correspondiente a la función del 24 de septiembre de 2005, de la Ópera de Lyon, con el siguiente elenco.

Isabel I, Reina de Inglaterra: Maria Pia Piscitelli
Roberto Devereux, Conde de Essex: Stefano Secco
Sara Nottingham : Enkelejda Shkosa 
El Duque de Nottingham : Laurent Naouri
Lord Cecil: Bruno Lazaretti 
Sir Gualtiero Raleigh : Enrico Turco 
Un Paje: Paolo Stupenengo
Un Familiar : Paolo Stupenengo
Coros y Orquesta de la Ópera Nacional de Lyon
Director: Evelino Pidò

CD